Técnicas e materiais artísticos e expressivos nas artes visuais.

Nas artes visuais quase todo material e técnica podem ser utilizados para criar uma obra, mas existem aqueles que são mais conhecidos, considerados como tradicionais ou convencionais e os modernos ou contemporâneos.Entre os meios artísticos tradicionais ou convencionais, três deles manifestam-se em duas dimensões (bidimensional – altura e comprimento): o desenho, a gravura e a pintura. Embora o resultado formal de cada um deles seja bastante diferente (embora o desenho e a gravura sejam similares), a grande diferença entre eles se encontra na técnica envolvida. Os outros meios tradicionais – a escultura e a arquitetura –  manifestam-se nas três dimensões do espaço (tridimensional – altura, comprimento e largura ou (profundidade).

Desenho

É o processo pelo qual uma superfície é marcada aplicando-se sobre ela a pressão de uma ferramenta (em geral, um lápis, carvão, nanquim, grafite, pastel, caneta, pincel etc.) e movendo-a, de forma a surgirem pontos, linhas e formas planas. O resultado deste processo (a imagem obtida) também pode ser chamada de desenho.    Desta forma, um desenho manifesta-se  essencialmente como uma composição bidimensional. Quando esta composição possui uma certa intenção estética, o desenho passa a ser considerado uma expressão artística.A escolha dos meios e materiais está intimamente relacionada à técnica escolhida para o desenho. Um mesmo objeto desenhado a bico de pena e a grafite produz resultados absolutamente diferentes.As ferramentas de desenho mais comuns são o lápis, o carvão, os pastéis, crayons e pena e tinta. Muitos materiais de desenho são à base de água ou óleo e são aplicados secos, sem nenhuma preparação.Existem meios de desenho à base d'água (o "lápis-aquarela", por exemplo), que podem ser desenhados como os lápis normais, e então umedecidos com um pincel molhado para produzir vários efeitos. Há também pastéis oleosos e lápis de cera. Desde a invenção do papel, no século XIV, ele se torna o suporte dominante para a realização de desenhos. É possível classificar o desenho em função dos instrumentos utilizados para a sua execução, ou da ausência deles. Pode-se pensar ainda em modalidades distintas do registro de acordo com as finalidades almejadas.

Desenho artístico à mão livre. Garcia Junior 2006.

Desenho artístico à mão livre (Central dos quadrinhos 2006).

• Desenho técnico ou industrial: uma forma padronizada e normatizada de desenho, voltado à representação de peças, objetos e projetos inseridos em um processo de produção.
• Desenho arquitetônico: desenho voltado especialmente ao projeto de arquitetura realizado, de modo geral, com o auxílio de réguas, compassos, esquadros e outros instrumentos.
• Desenho científico: empregado na zoologia, na botânica e anatomia (fartamente empregados como ilustrações de manuais didáticos)
• Ilustração: um tipo de desenho que pretende expressar alguma informação, normalmente acompanhado de outras mídias, como o texto.
• Croqui ou esboço: um desenho rápido, normalmente feito à mão sem a ajuda de demais instrumentos que não propriamente os de traçado e o papel, feito com a intenção de discutir determinadas idéias gráficas ou de simplesmente registrá-las. Normalmente são os primeiros desenhos feitos dentro de um processo para se chegar a uma pintura ou ilustração mais detalhada.

Desenho arquitetônico - Brasília.

Desenho técnico.

Esboço.

Gravura

Difere do desenho na medida em que ela é produzida pensando-se na sua impressão e reprodução. Uma gravura é produzida a partir de uma matriz que pode ser feita de metal (calcografia), pedra (litografia), madeira (xilogravura) ou seda (serigrafia).
O artista trabalha nesses suportes fazendo uma gravação da imagem de acordo com as ferramentas que utiliza com o propósito de imprimir uma tiragem de exemplares idênticos podendo ser feita pelo próprio artista ou orientando um impressor especializado. 
Uma gravura é considerada original quando é assinada e numerada pelo artista dentro de conceitos estabelecidos internacionalmente. Após aprovar uma gravura o artista tira várias provas que são chamadas p. a. (prova do artista). Ao chegar ao resultado desejado é feita uma cópia "bonne à tirer" (boa para imprimir – b.p.i.). A tiragem final deve ser aprovada pelo artista, que, então, assina a lápis, coloca a data, o título da obra e numera a série. Finda a edição, a matriz deve ser destruída ou inutilizada. Cada imagem impressa é um exemplar original de gravura e o conjunto destes exemplares é denominado tiragem ou edição. Em uma tiragem de 100 gravuras, as obras são numeradas em frações: 1/100, 2/100 etc. 

Conheça um pouco mais sobre as quatro técnicas de gravura:

 
• Litografia (matriz de pedra): a litografia (lithos = pedra e graphein = escrever) foi criada no ano de 1796 por Alois Senefelder.
• Xilogravura (matriz de madeira): surgiu como conseqüência da demanda cada vez maior de consumo de imagens e livros sacros a partir da invenção da imprensa por Gutenberg, quando as iluminuras e códigos manuscritos passaram a ser um luxo de poucos. A gravura em madeira seria um meio econômico de substituir o desenho manual, imitando-o de forma ilusória e permitindo a reprodução mecânica de originais consagrados.
• Calcografia (matriz de metal): surgiu nos ateliês de ourivesaria e de armaduras, no século XV, onde era usual imprimir-se os desenhos das jóias e brasões em papel para melhor visualização das imagens.
• Serigrafia (matriz de seda ou náilon): também conhecida como silk-screen (tela de seda) é um processo de impressão no qual a tinta é vazada - pela pressão de um rodo ou puxador - através de uma tela preparada. É utilizada na impressão em variados tipos de materiais (papel, plástico, borracha, madeira, vidro, tecido, etc.), superfícies (cilíndrica, esférica, irregular, clara, escura, opaca, brilhante, etc.) espessuras ou tamanhos, com diversos tipos de tintas ou cores. Também pode ser feita de forma mecânica (por pessoas) ou automática (por máquinas).

Produção da tela matriz de serigrafia.

Pintura

Refere-se genericamente à técnica de aplicar pigmento em forma líquida a uma superfície bidimensional, a fim de colori-la, atribuindo-lhe matizes, tons e texturas. Em um sentido mais específico, é a arte de pintar uma superfície, tais como papel, tela, ou uma parede (pintura mural ou de afrescos). A pintura é considerada por muitos como uma das expressões artísticas tradicionais mais importantes; muitas das obras de arte mais importantes do mundo, tais como a Mona Lisa, são pinturas. Diferencia-se do desenho pelo uso dos pigmentos líquidos e do uso constante da cor, enquanto aquele apropria-se principalmente de materiais secos. Enquanto técnica, a pintura envolve um determinado meio de manifestação (a superfície onde ela será produzida) e um material para lidar com os pigmentos (os vários tipos de pincéis e tintas). 
A escolha dos materiais e técnicas adequadas está diretamente ligada ao resultado final desejado para o trabalho como se pretende que ele seja entendido. Desta forma, a análise de qualquer obra artística passa pela identificação do suporte e da técnica utilizadas. Enquanto técnica, a pintura envolve um determinado meio de manifestação (a superfície onde ela será produzida) e um material para lidar com os pigmentos (os vários tipos de pincéis e tintas). 
O suporte mais comum é a tela (normalmente uma superfície de madeira coberta por algum tipo de tecido), embora durante a Idade Média e o Renascimento o afresco tenha tido mais importância. É possível também usar o papel (embora seja muito pouco adequado à maior parte das tintas). Quanto aos materiais, a escolha é mais demorada e, normalmente, envolve uma preferência pessoal do pintor e sua disponibilidade. Materiais comuns são: a tinta a óleo, a tinta acrílica, o guache e a aquarela.

Pintura da artista Helene Beland.

É também possível lidar com pastéis e crayons, embora estes materiais estejam mais identificados com o desenho.
No entanto, há controvérsias sobre essa definição de pintura. Com a variedade de experiências entre diferentes meios e o uso da tecnologia digital, a idéia de que pintura não precisa se limitar à aplicação do "pigmento em forma líquida". Atualmente o conceito de pintura pode ser ampliado para a representação visual através das cores. Mesmo assim, a definição tradicional de pintura não deve ser ignorada.
O elemento fundamental da pintura é a cor. A relação formal entre as massas coloridas presentes em uma obra constitiu sua estrutura fundamental, guiando o olhar do espectador e propondo-lhe sensações de calor, frio, profundidade, sombra, entre outros. Estas relações estão implícitas na maior parte das obras da História da Arte e sua explicitação foi uma bandeira dos pintores abstratos.

Conheça as principais técnicas e materiais da pintura:

• Muralismo, pintura mural ou parietal: é a pintura executada sobre uma parede, quer diretamente na sua superfície, como num afresco, quer num painel montado numa exposição permanente. Ela difere de todas as outras formas de arte pictórica por estar profundamente vinculada à arquitetura, podendo explorar o caráter plano de uma parede ou criar o efeito de uma nova área de espaço. A técnica tradicional de uso mais generalizado é a do afresco, que consiste na aplicação de pigmentos de cores diferentes, diluídos em água, sobre argamassa ainda úmida.
• Tinta a óleo: é uma mistura de pigmento pulverizado e óleo de linhaça ou papoula. É uma massa espessa, da consistência da manteiga, e já vem pronta para o uso, embalada em tubos ou em pequenas latas. Dissolve-se com óleo de linhaça ou terebintina para torná-la mais diluída e fácil de espalhar. O óleo acrescenta brilho à tinta; o solvente tende a torná-la opaca.
A grande vantagem da pintura a óleo é a flexibilidade, pois a secagem lenta da tinta permite ao pintor alterar e corrigir o seu trabalho.
• Acrílico: é uma tinta sintética solúvel em água que pode ser usada em camadas espessas ou finas, permitindo ao artista combinar as técnicas da pintura a óleo e da aquarela. Se você quiser fazer tinta acrílica, você pode misturar tinta guache com cola.
• Aquarela: é uma técnica de pintura na qual os pigmentos se encontram suspensos ou dissolvidos em água. Os suportes utilizados na aquarela são muito variados, embora o mais comum seja o papel com elevada gramatura (espessura do papel). São também utilizados como suporte o papiro, casca de árvore, plástico, couro, tecido, madeira e tela.
• Guache: é um tipo de aquarela opaca. Seu grau de opacidade varia com a quantidade de pigmento branco adicionado adicionado à cor, geralmente o suficiente para evitar que a textura do papel apareça através da pintura, fazendo com que não tenha a luminosidade das aquarelas transparentes.
•  Colagem
Também é considerada uma técnica convencional de artes visuais que utiliza vários materiais aplicados em diferentes suportes para criar um efeito diferente e interessante. Ao abrigar no espaço do quadro elementos retirados da realidade - pedaços de jornal e papéis de todo tipo, tecidos, madeiras e objetos variados, a colagem passa a ser concebida como construção sobre um suporte, o que dificulta o estabelecimento de fronteiras rígidas entre pintura e escultura.

Colagem (papel celofane, cartolina e cola).

Escultura

É uma arte que representa imagens plásticas em relevo total ou parcial usando a tridimensionalidade do espaço.
Os processos da arte em escultura datam da Antigüidade e sofreram poucas variações até o século XX. Estes processos podem ser classificados segundo o material empregado: pedra, metal, argila, gesso ou madeira.
A técnica da modelagem consiste em elaborar esculturas inéditas através desta técnica. São utilizados materiais macios e flexíveis, facilmente modeláveis, como a cera, o gesso e a argila.
No caso da argila, a escultura será posteriormente cozida, tornando-se resistente. A modelagem é, também, o primeiro passo para a confecção de esculturas através de outras técnicas, como a fundição e a moldagem.
A técnica do entalhe é um processo que requer tempo e esforço, já que o artista trabalha minuciosamente numa escultura, cortando ou extraindo o material supérfluo (madeira, por exemplo) até obter a forma desejada.
O material é sempre rígido e, com freqüência, pesado. A arte de esculpir em madeira utiliza poucas espécies de árvores, que são selecionadas em função da sua textura, da beleza do material proporcionado pelos veios e pela tonalidade da matéria prima.
As madeiras comumente utilizadas são o cedro e o mogno, por serem fáceis de trabalhar e mais leves. O acabamento da obra é dado com tintas e vernizes preparados com resinas químicas ou naturais.
Outra técnica utilizada para a escultura é fundição de metal (ferro, cobre, bronze etc) em que se faz um processo complexo que começa com um modelo em argila, passando por um molde que será preenchido com cera, obtendo-se outra peça idêntica neste material, que poderá ser retocada, para corrigir algumas imperfeições derivadas do molde. Depois de modelada em cera.
Em seguida, o metal líquido é vazado dentro de um molde, ocupando o lugar deixado pela cera. O gesso é dissolvido em uma lavagem a jato de água, revelando a peça com seus contornos. A escultura de metal passa, então, por um processo final de recorte e de acabamento.

Escultura em madeira.

Escultura em pedra.

 Arquitetura

Entre muitas outras coisas, a Arquitetura é a organização do espaço tridimensional. É uma atividade humana existente desde que o homem passou a se abrigar das intempéries do clima. Uma definição mais precisa da área envolve todo o design do ambiente construído pelo homem, o que engloba desde o desenho de mobiliário (desenho industrial) até o desenho da paisagem (paisagismo) e da cidade (urbanismo), passando pelo desenho dos edifícios e construções (considerada a atividade mais comum dos arquitetos). O trabalho do arquiteto envolve, portanto, toda a escala da vida do homem, desde a manual até a urbana.
A arquitetura se manifesta de dois modos diferentes: a atividade (a arte, o campo de trabalho do arquiteto) e o resultado físico (o conjunto construído de um arquiteto, de um povo e da humanidade como um todo).
A Arquitetura depende ainda, necessariamente, da época da sua ocorrência, do meio físico e social a que pertence, da técnica decorrente dos materiais empregados e, finalmente, dos objetivos e dos recursos financeiros disponíveis para a realização da obra, ou seja, do programa proposto.
Bem mais do que planejar uma construção ou dividir espaços para sua melhor ocupação, a Arquitetura fascina, intriga e, muitas vezes, revolta as pessoas envolvidas pelas paredes. Isso porque ela não é apenas uma habilidade prática para solucionar os espaços habitáveis, mas encarna valores. A Arquitetura desenha a realidade urbana que acomoda os seres humanos no presente. É o pensamento transformado em pedra, mas também a criação do pensamento.

Arquitetura colonial - Ouro Preto.

Arquitetura moderna - Palácio do Planalto - Brasília.

Fonte:  
http://pt.scribd.com/
(APOSTILA DE ARTE – ARTES VISUAIS – Garcia Junior)

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22 Dicas de pintura em tela para artistas iniciantes

Olá Pessoal! Abaixo segue uma série de “Perguntas e Respostas”, especialmente para quem é pintor(a)de primeira viajem e que deseja se profissionalizar nessa área artística, mas não sabe como começar, aqui eu espero compartilhar com todos vocês um pouco da minha vida como artista plástico e professor profissionalizante de Pintura em Tela. Boa Leitura!

1- Eu estou iniciando o meu curso de Pintura em Tela, mas o(a) professor(a) só ensina paisagem na aula, devo mudar de ateliê?

Eu já fui crucificado várias vezes por isso, rsrsrs…  Olha, é na paisagem que aprendemos a maioria dos movimentos de outras classes artísticas, as vezes no mesmo movimento que aprendemos pra fazer uma cachoeira de uma paisagem, a gente utiliza numa maçã de uma natureza morta… As rodadinhas (bambolê) que utilizamos muito para construirmos nuvens, podem utilizar também em diversas flores e até mesmo em retratos!

Eu usava e abusava com meus alunos do “Método Biônico”, desenvolvido por uma diva das artes paranaense, chamada Bia Moreira, na qual onde eu aprendi a dar os meus primeiros passos, já ouvi muitos professores criticarem porque acham essa técnica muito “Pintura em Tecido” ou que prende ao aluno num estilo regular, pois discordo totalmente, foi com esse método que consegui desenvolver minha criatividade e já vi muita gente desenvolver através dessa técnica também! A pintura tem que ser simples, o seu único segredo que não me canso de dizer é “paciência” mais uma “pitada de força de vontade”! Talvez o(a) seu(sua) professor(a) esteja usando essa técnica, converse mais com ele(a) sobre esse  assunto, ok?!

2- Que tipo de verniz utiliza na tela em acrílico?

No mercado existem dois tipos de vernizes comuns: o Acrílico e o Geral. O Acrílico deixa um brilho leve, suave, ao contrário do Geral que é mais forte! O Acrílico pode ser dissolvido com um pouco de água, já o Geral, aconselho usar ele puro. Com 72 horas ele já está seco, dependendo da sua região. Pegar Sol e Chuva na tela é um veneno que deve ser evitado sempre!

3- Pode se misturar tinta acrílica com tinta a óleo?

Não. Porque isso seria a mesma coisa que você tentar misturar água com óleo.

4- Qual é o tamanho ideal para começar a pintar em Tela?

De 80X60 á 90X70. Porém essa é uma opinião pessoal, não é regra! Eu usava essa numeração com os alunos porque é um tamanho de médio para grande, dar para treinar muito os movimentos com o braço, não procure tamanho escandalosos que pode lhe frustrar na primeira tela, já os tamanhos pequenos demais como 30X30, 30X25, 20X20, pode até dificultar no desenvolvimento de alguns movimentos. Com uma tela de tamanho médio, você poderá viajar melhor na sua pintura, sem falar que o resultado final é muito satisfatório.

5- Pode colocar vidro na tela quando a gente vai emoldurar?

Não, porque o verniz já serve pra proteger de muitas coisas, além de brega, o vidro pode dar até um aspecto de que você comprou a tela numa loja de importados, srsrsr… Existem casos e casos, por exemplo, se for uma pintura em papel, tudo bem, nesse caso, um vidro é bom!

6-Tenho uma filha de 5 anos, que dar algumas pinceladas nas tela . Em que posso ajudá-la a desenvolver na pintura?

Tem um artigo nesse site sobre Pinturas para Crianças. Deixe ela a vontade, no dia que não quiser pintar tudo bem, mas antes de passar pra a tela, faça alguma pinturas simples em cartolina e peça para que ela possa acompanhar,tipo passo-a-passo, treine alguns movimentos (vai-e-vem,bambolê, ventania… adoro a Bia Moreira,rsrsr…) ou você pode dar outros nomes a esses movimentos, sempre elogie a pintura da criança, isso é importante! Peça pra os seus amigos e familiares também elogiar!!! Só comece na tela quando ela estiver mais segura, iniciar com paisagens simples, algumas flores como tulipas e copos de leites, também são perfeitas!

7-Como perder a insegurança para pintar?

Bom, não só aqui, mas também por e-mail vejo com muita freqüência o pessoal me perguntar isso: “como fazer para perder a insegurança na hora de pintar?!” Isso tudo depende apenas de você, se estás começando a pintar agora, e seguindo o estilo copista, ou seja, pintando por outra figura ou revista, é super importante que você procure saber com o seu professor se a tal figura está no seu nível de dificuldade.

Se você for autodidata e está começando agora em casa, a dica é que observe bem e tente, numa folha de papel ou numa cartolina, estudar alguns movimentos que foram surgidos, por exemplo, se você for pintar uma vegetação, tente reproduzir o movimento das batidinhas nessa folha antes de passar pra tela, isso vai aliviar muito a sua tensão. Outra dica para quem tem professor e quer perder o medo, pinte sozinho em casa, reproduza o que foi passadas em sala, várias vezes em casa, isso vai lhe tornando uma fera no domínio das técnicas.

8- Qual é o estilo de flores mais fácil para pintar?

Para os iniciantes, a minha sugestão é: Antúrios, Copos de leite e Tulipas. As hortênsias podem parecer fácil para quem nunca pintou, mais exige um pouco de técnica sim, elas iludem bastante. A “Rosa” é um bicho de sete cabeças sim, não vou mentir para vocês, principalmente aquelas que são bem detalhadas com muitas pétalas, estilo Douglas Frasquetti, para quem nunca pintou é um pouco arriscado. Não indico também as orquídeas.

9-Quero fazer uma exposição, qual é o melhor local?

Cada artista tem seu estilo de receitar uma exposição, mas em algumas situações todos concordam: Escolha um espaço bem movimentado, estilo, shoppings, bancos, fóruns, universidades, órgãos públicos, etc., digo assim, se por acaso na sua cidade não tiver uma galeria específica. Exponha no mínimo 10 telas, tamanhos parecido (nada de colocar uma 15X15cm, perto de uma de 1,00 X 2,00m), especifique em cartões(plaquetas) as informações sobre a tela, tipo, título, diâmetro, técnica utilizada, preços etc., para obter um bom sucesso na exposição divulgue ao máximo!!! Não se preocupe em gastar muito com coquetéis e específicos, encher a pança de barão nem sempre traz bons frutos!!!

10 – Numa exposição é falta de ética colocar uma placa avisando: “Por favor não tocar nas telas”?

Olha, isso vai depender do local onde você está expondo. Se for numa galeria apropriada, creio que a maioria das pessoas que visitarão a sua exposição, já seja do meio artístico ou acostumado a freqüentar esse tipo de evento, creio que elas não pagarão esse mico, hehehehe… (apesar de que sempre tem um que dar mancada). Em lugares movimentados como shoppings e bancos, seria interessante sim, porque infelizmente, pelo menos aqui no Brasil, muitas pessoas não foram educadas e se comportarem nesses locais. Lembrei de uma vez que uma mulher chegou numa tela minha, de umas flores, ela além de tocar na obra, ainda cheirou para saber se elas emitiam alguma essência floral, rsrsrs… Tem gente pra tudo!!!

11- Como fazer o movimento bambolê na pintura?

Para quem está se perguntando que “movimento é esse?”, assim é chamado porque ele fica fazendo giros com o pincel, muito usado para fazer fundos de natureza-morta, céus, montanhas, frutas, flores, até mesmo figuras humanas, pelo o que eu sei assim foi denominado pela a artista plástica paranaense Bia Moreira, uma mulher super talentosa que considerei um dos meus espelhos artísticos no começo da minha carreira. Esse movimento exige muita precisão e leveza na mão, de preferência procure fazer com um pincel redondo, até mesmo uma brocha, dará um efeito muito bom, uma coisa que acontece comigo pra dar um efeito bem esfumaçado, eu coloco um pouco de força na mão nas primeiras giradas, depois disso vou afastando o pincel no mesmo local, isso me ajuda muito na mistura de cores.

12- Dar para aprender alguma coisa assistindo esses DVDs que vendem na internet e em banca de revistas?

Olha, eu não posso responder por todos, mas o meu melhor aprendizado que tive na vida, além da prática (é praxe), foi observando muitos artistas a pintarem. Nesses DVDs, eu adquiri muita experiência pedagógica, especialmente teórica, como professor de pintura em tela profissionalizante, digo que o ruim deles é  porque não temos o artista 24hs a nossa disposição, para tirar dúvidas como um professor em aula presencial, mas sempre procure ver imagens o ler o conteúdo antes de comprar o DVD, pra ver se a didática que o artista está passando supre as suas necessidades, ok?!

13- O verdadeiro artista á aquele que cria?

É lógico que sim, rsrsrs… Embora eu também considero muito a técnica que ele usa, eu sou muito abusado e um pouco ante acadêmico nesse aspecto, digo isso por mim, amo estudar, aprender e criar novas técnicas, nem que eu tenha que copiar um passo-a-passo de um artista de revista, depois que eu adquiro segurança com ela eu automaticamente vou para o segundo estágio, que é de criar algo com essa tal técnica que aprendi! Sinceramente não gosto de ver seboseira, sou contra qualquer pessoa que joga um tubo de tinta numa tela e já se diz um artista, é igual o macaco que passava na novela (apesar de que eu gostava muito das telas dele, srsrsr), para mim a pintura tem que ser clara e objetiva pra quem está vendo, mesmo que seja abstrata, vanguardista e pós-moderna, ela precisa ter alma.

14- Eu gostaria de fazer um auto-retrato, mais ainda eu não muita segurança, o que fazer?

Estude anatomia. A base de uma pintura clássica e realista perfeita, está sempre na construção de um ótimo desenho, depois disso o próximo passo é dominar a mistura de cores e a separação de luz e sombra, pratique muito que o tempo lhe trará bons resultados.

15- Eu não tenho professor, eu sou autodidata, eu queria saber como posso ter segurança na pintura?

Essa é bem parecida com o tópico acima, relaxe e pratique que o tempo lhe trará bons resultados, leia mais sobre pintura, veja vídeos, visite galerias e vernissages, converse mais com quem entenda do assunto.

16-Qualquer pessoa pode pintar?

Bom, desde que ela tenha muita força de vontade ou que não tenha algum problema que impossibilite de utilizar os materiais, sim!!! Não existe idade certa pra começar a pintar, é claro que as crianças têm mais facilidade de aprender qualquer arte por estar em desenvolvimento, mas a pintura não escolhe idade, raça e nem sexo, basta apenas ter paciência e como citei antes “muita força de vontade” mesmo! Já vi milagres acontecer nos meus cursos, inclusive me considero “um” também!

17-Depois que eu entrar em algum curso de Pintura, em quanto tempo estarei pintando bem, em tela?

Olha… Isso é algo relativo, onde só você mesmo irá descobrir, por favor, nada de ficar tirando o juízo do professor, porque você ainda não conseguiu pintar do jeito que você quer ou de chegar em casa chateado porque o seu colega de turma já está pintando a árvore “melhor” do que você, não é bem assim que a coisa funciona, quantidade de telas produzida num curso não indica qualidade,  se bem que cada um tem o seu caminho artístico que irá descobrindo-se com a prática, que pode vir logo ou demorar anos, o importante é você praticar e praticar!!! É claro que, as pessoas quem tem um certo conhecimento em desenho artístico irá se sobressair bem melhor do que aqueles que nunca fizeram o “zé bolinha” na vida, mas isso também não é absoluto, já vi muita gente fera no desenho se estressar com os pincéis e também muita gente que nunca pegou no lápis, dar um show na pintura!!!

18-Existe algum segredo pra Pintar bem?

Já foi dito lá em cima: Paciência com Força de vontade (99%) + Técnica (1%)=  SUCESSO (isso não só na pintura, mas em qualquer profissão!)

19-Como escolher um curso de Pintura certo?

Isso aí vai depender de que objetivo você pretende alcançar… Existem cursos hoje para tudo, só para se especializar em flores, paisagens, natureza morta, retrato, abstrato etc., ou nos estilos mais acadêmicos e vanguardistas, se você nunca pintou, comece sempre pelo o “curso inicial”, de preferência, algum curso que tenha no mínimo 2h (duas horas) de duração por dia, pratique em casa, e nunca deixe o seu professor fazer mais do que você na sua tela, isso irá lhe frustrar futuramente, sem falar que lhe atrasará bastante em conhecimentos, você poderá deixar de aprender técnicas maravilhosas, o professor está ali apenas para orientá-lo e não para pintar por você!

20-Como escolher um bom professor de pintura?

Esse é o mais complicado de responder, porque cada um tem uma técnica diferente, um estilo, metodologia prática e teórica, mas se puder conheça antes os trabalhos do artista, e o principal: NUNCA deixe o professor pintar mais do que você em sua tela, lembre-se: a tela é sua! Juro que sem a minha professora eu não tinha chegado 50% da minha formação, ela me deu muito valor moral, nas aulas eu fazia de tudo para me destacar, isso foi conquistando ela e formamos um laço de amizade incrível! Nunca diga a seu professor que está ali só pra fazer uma tela pra sua “sala” ou “cozinha”, é mesmo que dá um tiro ou uma facada nele! Procure agradar sempre o seu professor, pois trabalhar com pintura é trabalhar com sentimentos e, nem todo dia é dia de sol para ele e você, aprenda a amar o seu colega de classe, saiba dividir o seu material com quem precisa e for responsável, elogie os trabalhos dos seus colegas, interaja sempre com a turma, faça da sua turma a melhor do curso!

21- Eu gostaria de começar a pintar mais não tenho professor para me orientar, posso arriscar sozinho?

Claro que pode sim!!! Alguns acadêmicos aconselham iniciar a pintar sozinho, eles dizem que é assim que se faz um artista completo, mas eu discordo em parte, um professor ajuda e muito a lhe esclarecer muitos fantasmas que estão presos em sua cabeça, sem falar que são eles que passam uma segurança para a gente quando estamos pensando em desistir de pintar, procure pintar sozinho em ultimo caso, se estiver entrando num curso de pintura, não hesite em aprender os princípios básicos da pintura, aliás, na construção de uma casa não começamos pelo o teto, concordam?!

22- Qual é a melhor maneira de fabricar uma tela? É mais barato do que comprar pronta?

Isso depende da sua região, na minha, por exemplo, um chassi pronto em uma loja de artesanato ou numa papelaria sai até 10 vezes mais caro do que fabricar artesanalmente em casa. Eu geralmente compro a um marceneiro o chassi, e estico o “algodãozinho Bahia”(ou médio), com um grampeador profissional (aqueles de grampear sofá, os Rocamas) com grampos de referência 106/6. Depois passo duas demãos de tinta acrílica ou látex na tela, uma na vertical e outra na horizontal e fica durinho pra pintar o que eu quero. Mas observem, os chassis tem que ter uma ladeirinha no lado que você vai pintar o tecido, se não, isso poderá marcar a sua pintura.

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Dicas de pintura em tela

Terebentina + óleo de linhaça. Essa mistura é recomendada para uso com a tinta óleo facilitando seu manuseio, acelerar a secagem e dar brilho a tinta. Esta mistura é muito utilizada na França.


Experiemente usar essa medida. 1 colheres de sopa de terebentina + 1 colher de óleo de linhaça + cinco gotas de secante de cobalto. Não utilize quantidade acima de cinco gotas de secante, caso contrário com o tempo irá craquelar sua pintura.

Como começar a pintar? Compre uma tela 30x40cm ou 40x50cm de boa marca. Assim poderá pintar diretamente na tela sem nenhum dano a pintura. Selecione as cores que irá utilizar. Coloque as cores em uma paleta, ou azulejo, ou até mesmo em um prato branco, em pequenas quantidades. Encha uma forminha de empada, ou godê, com óleo de linhaça. Encha outra com aguarrás ou solvente. Passe o pincel no óleo, depois na tinta e passe, suavemente, na tela. Esse procedimento fará o pincel deslizar na tela. Limpe-o com aguarrás. Não deixe os pincéis de molho, limpe-os rapidamente, se deixar muito tempo o pincel no solvente, ele entortará as cerdas e apodrecerá o cabo. Não utilize querosene como solvente.


Iniciando com Tinta Acrílica. Nós recomendamos a todos os iniciantes, tintas a óleo. Elas são mais fáceis de manusear. Depois que tiver prática, aí sim, volte para as tintas acrílicas. Por quê? Elas são de secagem muito rápida, dificultando sua correção, ou seja, a mistura de tons. Em São José dos Campos/SP, algumas escolas já adotam as tintas a óleo para crianças. Como você trabalha com crianças e tinta acrílica, teremos que dar um jeito. Para retardar a secagem, utilize MEDIUM ACRÍLICO líquido da Acrilex. Coloque um pouco de tinta na paleta ou azulejo, por cima pingue umas três gotinhas de médium acrílico, misturando com o pincél ou espátula ou palito de sorvete. Para cada cor que você irá trabalhar faça o mesmo procedimento. Para diluição das tintas durante a pintura, utilize em um copinho para café, água e cinco gotas de médium acrílico. Ao término da pintura, para limpeza dos pincéis, utilize água e detergente. Retire todos os resíduos de tinta, para não danificar os pincéis. Veja se você está com o material básico de pintura.


Nunca misture tintas a óleo com tintas acrílicas ou nunca pinte com acrílicas sobre o óleo. Use mediuns e/ ou solventes para alterar características como fluidez, transparência, brilho ou tempo de secagem. Use vernizes para proteção, após seis meses de terminado o trabalho. Tintas a óleo podem amarelar quando secas no escuro. Deixe-as secarem em um ambiente com condições normais, evitando a luz direta do Sol, alto nível de umidade ou qualquer outra condição extrema.


Se desejar dar um destaque especial a um quadro, pode-se colocar um foco de luz sobre ele, porém, mantenha uma distância de cerca de 70 cm ou 80 cm para que o calor da lâmpada não altere a obra. O foco de luz deve ter uma abertura que enfoque todo o quadro, não causando uma área de luz no centro e áreas de sombras no lado.

Secante de Cobalto - Acelera o tempo da secagem da tinta a óleo. Deve ser utilizado em pequenas quantidades, pois altera o brilho e a fixação da tinta, podendo causar descascamento da pintura. Resumindo: se você colocar secante demais na sua pintura, com o tempo ela irá craquelar.


COMO TRABALHAR COM O ÓLEO - Alguns artistas usam carvão para um esboço preliminar, mas não se deve carregar no traço e antes de começar a pintura, deve-se retirar o excesso batendo um pano limpo na tela. O pincel n.º 2 e a tinta diluída com aguarrás também pode ser utilizado para esboçar os contornos, se errar, apaga-se molhando uma ponta de trapo em terebintina e esfregando no local a ser corrigido. Para cobrir a tela com pinceladas rápidas e ousadas, de textura rica, é só usar a tinta a óleo sem mistura. Para os detalhes que exigem precisão, acrescente óleo de linhaça ou terebintina a fim de obter uma tinta mais cremosa e fluída. Se você não gostar de alguma parte da pintura, retire-a com a espátula. Em seguida, limpe a superfície com um trapo embebido em solvente. PREPARANDO A PALETA - Esprema um pouco de cada cor - o equivalente à superfície de uma pequena moeda - em volta da paleta e vá formando pequenos montinhos. Comece com o branco, em quantidade equivalente ao dobro das outras tintas, pois esta é a cor mais utilizada. Em seguida, vá dispondo as cores quentes ao longo de um lado, e as frias do outro. O centro da paleta deve ficar reservado às misturas, feitas com pincel e espátula. Pegue um pouco de cada tinta que deseje combinar e vá fazendo adições até obter a cor pretendida. Lembre de ter sempre à mão um vidro com terebintina e um pano grande de algodão, ou um rolo de papel higiênico para limpeza dos pincéis. NÃO limpe os pincéis na terebintina usada para as misturas! Os vapores dos solventes podem ser prejudiciais à saúde, pôr isso trabalhe em local ventilado. COMECE PELOS ESCUROS E PELO FUNDO - Pinte primeiro os tons escuros e, a partir daí, os mais claros. As regiões escuras são mais facilmente identificadas e, uma vez pintadas, servem como referencial para os demais tons do quadro. A aplicação dos tons claros sobre os escuros dá a noção de volume e profundidade. AJUSTANDO AS CORES - Para chegar a uma proporção que lhe dê a cor ideal, proceda gradualmente e com cuidado. Ao invés de acrescentar um pouco de branco para clarear uma cor, experimente adicionar uma cor próxima. Pôr exemplo: misture o alaranjado ao vermelho, o azul claro ao azul escuro ou violeta, etc. São raras as obras realizadas com cores puras, o efeito pode ser desarmonioso e berrante. Mas é claro que há exceções. ECONOMIZE AS TINTAS - Fora do tubo, a tinta a óleo absorve oxigênio do ar, tornando-se seca e imprestável. É possível retardar esse processo cobrindo a paleta com um plástico para guardá-la ou utilizar como paleta uma caixa com tampa (Ex: caixa de fita de vídeo), e acrescentar uma gotinha de óleo de linhaça às tintas quando parar de usá-las, ajuda a ficarem úmidas mais tempo.


Maneiras inovativas de incrementar a venda de suas obras de arte extraído da Internet e traduzido por Oswaldo Pullen Qualquer Artista poderá lhe contar que um dos mais difíceis aspectos de ser um artista é viver exclusivamente disto. Uma das maneiras convencionais de adquirir felicidade financeira é apresentar seus trabalhos nas Galerias, mas muitos artistas não tem como fazer isto, e muito poucos conseguem faze-lo em uma base regular. Os artistas, no entanto, são uma gente inventiva, e conseguem uma variedade de maneiras de corrigir este problema. Uma das mais comuns é a de aumentar o reconhecimento de seu nome. Os artistas mais reconhecidos vendem muito porque fazem sua arte visível e acessível para os colecionadores. Eles sabem que quanto mais gente ver o seu trabalho, maiores são as chances de vender. Sua arte é seu cartão de visitas, seu folheto promocional, sua melhor forma de anunciar. Faça os seus trabalhos sairem de seu estúdio, já que lá eles não estão fazendo bem a ninguém. Mostre-os sempre que possível, particularmente nos lugares frequentados por pessoas que gostam de arte e dispõe de recursos para adquiri-la. Restaurantes, hotéis, lojas, salas de espera, firmas de decoração, e lojas finas de móveis são todos boas possibilidades.

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Dicas de como fazer uma pintura hiperrealista.

O hiperrealismo é um movimento artístico que tem suas raízes em algumas cidades dos Estados Unidos da América, especialmente Nova York. 

A proposta dos artistas hiperrealistas era fazer a captação da realidade em seus mínimos detalhes. Poderia-se utilizar tanto modelos com capacidade de movimento, como estáticos. 

Para fazer uma pintura hiperrealista com mais clareza é importante a utilização da fotografia. Essa técnica foi chamada por muitos de foto-realismo.

Instruções 

Antes de iniciar a pintura deve estar familiarizado com o próprio movimento. Seja mais detalhista do que as pessoas comuns. Flagre cada detalhe que está exposto na fotografia. No entanto tome cuidado para não cair no abstrato. 

O hiperrealismo é fiel ao nome do movimento. Nada do que não esteja demonstrado na figura modelo deve ser pintado. Por outro lado, tudo o que ali está merece atenção. Pinte os traços de acordo com o tamanho que é mostrado na imagem. Deve-se derramar tinta de acordo com a necessidade para aquele traço. Se derramar tinta em demasia dará a impressão de relevo na pintura o que descaracteriza o hiperrealismo, pois parece mostrar o que não é. 

Jamais enfeite a figura para dar um ar de criatividade. A criatividade não é bem vista nesse movimento. Afinal de contas deve expressar tão somente a realidade. Outrossim, não escolha uma fotografia modelo, na qual foram utilizadas técnicas como terceira dimensão, linhas e perspectivas. Deve escolher uma fotografia que retrate o cotidiano das pessoas tal e qual ele é. Se técnicas de fotografias foram utilizadas, causará distorção da realidade, contrapondo-se ao hiperrealismo. Escolha fotos do dia a dia. Uma cena de um menino jogando futebol. A família reunida no final de semana. O bebê no colo da mãe. O animal de estimação estirado na varanda. Esse tipo de fotografia modelo caracteriza melhor a pintura hiperrealista. Para ter certeza que foi fiel ao movimento, observe se fez uma retratação leal da figura. Se seu desenho diz a mesma coisa que a fotografia. 

O ideal é pintar cada traço de acordo como ele se apresenta na fotografia.

Dicas e Advertências 

Nem sempre se consegue captar toda a realidade de uma fotografia modelo. Inclusive, alguns artistas que aderiram o movimento dizem que nem a própria fotografia consegue captar toda a realidade que está envolta. Porém a intenção é sempre aproximar ao máximo do real.

Fonte: 

http://www.assimsefaz.com.br/sabercomo/como-fazer-pintura-hiper-realista

Exemplos de pinturas hiperrealistas da artista  Alissa Monks.

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Artes Plásticas / Artes e Terapia

O uso da arte como terapia é bem comum no tratamento para pessoas com doenças graves, com distúrbios psíquicos e portadores de alguma deficiência. A arte é usada de diversas formas e  técnicas, mas vamos falar especificamente da pintura.

Usar a pintura como terapia não é tornar pessoas em artistas, criando obras de arte para o comércio visando obter ganhos, a finalidade é criar uma arte que reflita num resultado para a consciência da pessoa, portanto não é tão significativo o que se pinta e como se pinta, mas aquilo que se pinta e depois se fala, os conteúdos internos se exteriorizam através das palavras, as cores e os símbolos vem naturalmente, são características próprias e manifestam algo que muitas vezes não conseguimos dizer, não conseguimos expressar com palavras.

O significado nem sempre será interpretado claramente, mas a pintura estará ali e possuirá vida própria, o sentido é o que esta a vista é aquilo que se falou, será a manifestação do eu interior controlado pelo próprio ego, daí a grande importância da pintura, pois ela será capaz de dizer aquilo que não conseguimos expressar só com palavras, mostrar detalhes que a só com a fala não se alcançam.

Muitas vezes um paciente esta preso em sua ansiedade, tristeza, solidão, depressão e não consegue se libertar da escuridão que o cerca, mas todo homem tem criatividade e pode se expressar pela arte, toda pessoa é capaz de se libertar sem se importar com o mundo e o julgamento alheio, não se moldar segundos os padrões determinantes do mundo, desenvolvendo auto consciência e auto confiança, percebendo melhor as coisas que os cercam, criando a sua arte e a sua vida de forma plena, libertando-se das grades que os cercam em toda sua capacidade viver.

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Como Pintar Tela Abstrata Usando Tinta Acrílica

Faça um esboço em papel sulfite, com lápis de cor ou giz de cera, do que irá pintar na tela. Se você achar que não ficou bom no papel, não passe para a tela ou painel.
Campo de visão do trabalho: a distância da tela a ser pintada e a parede atrás de você, deverá ter no mínimo 2,5 metros. Não pinte em locais improvisados e pequenos. Exemplo: banheiros, quarto da empregada ou cozinha. Ambientes improvisados, geralmente, são mal iluminados e sem ventilação, onde você não terá uma boa percepção do que está fazendo.

Escolha um momento para pintura, longe das pertubações familiares ou ambientais. Concentre-se no que estiver fazendo.

Escolha um tipo de música relaxante. Evite sons pesados ou agitados, para não inibir sua inspiração.

Pinte sozinha. Caso pinte com uma amiga, a tendência é muito grande para que os dois quadros fiquem com cores parecidas. Uma influenciará a outra.

Não fique perguntando a todo instante se o quadro está bom.

Conclua o que foi planejado no esboço.

Para o tamanho da tela ou painel, sugerimos 80x100, 100x120. Nós achamos 90x120 o ideal.

Separe os tubos das tintas acrílicas que serão utilizadas na pintura.

Um vidro de maionese vazio com água limpa

Um copinho de plástico descartável, tamanho desses comuns de café

Paleta de fórmica, prato ou azulejo branco

Coloque um pouco de cada tinta na paleta ou azulejo, mais ou menos uma colher de café

Pingue umas três gotinhas de médium acrílico líquido da Acrilex, misturando com a espátula ou palito de sorvete.

Não serve gel acrílico.

Para cada cor que você irá trabalhar, faça o mesmo procedimento.

Para diluição das tintas durante a pintura, utilize em um copinho para café, na proporção 50% de água e 50% de médium acrílico.

Encoste a pontinha do pincel 16 série 141, chato, na mistura de água + medium acrílico, passe a ponta na tinta e em seguida deslize suavemente sobre a tela, com movimentos cruzados.

Para mudar a cor que está no pincel, lave-os em um tanque ou no vidro de maionese.

Repita o mesmo procedimento para a outra cor.

Para mesclar uma cor na outra.

Utilize um pincel seco e um pano limpo.

Exemplo: faça uma faixa amarela e paralelamente, outra na cor azul.

Passe o pincel seco entre elas.

Passe o pincel, seque no pano. Repita esse passo até a mesclagem total.

Ao término da pintura, para limpeza dos pincéis, utilize água e detergente.

Retire todos os resíduos de tinta, para não danificar os pincéis.

Use sua criatividade sem exageros, caso queira que seu trabalho seja comercial

Evite usar muito vermelho, pintura com temas agressivos ou apelos sexuais

Comece a pintar.

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"Flores no Vidro D'água" - Passo a passo

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"Flores em vidro d'água" - Óleo sobre tela - 70x90 cm

Segue abaixo o passo a passo dessa pintura em óleo sobre tela:

O desenho inicial foi feito com lápis, tendo as formas e detalhes bem definidos, o que se faz necessário para se obter um acabamento bem realista.

O desenho inicial foi reforçado usando tinta acrílica (cor violeta) com um pincel mais fino, para que o preenchimento das camadas não oculte os detalhes do desenho.






O fundo é coberto com uma veladura (tinta transparente) feita com tinta acrílica diluída em água. Se for usar tinta a óleo, diluir com terebintina. Uso sempre o acrílico nessa fase inicial da pintura devido à sua secagem rápida, porém a tela deve estar também úmida.


Cores usadas: Ocre, laranja cádmio, terra de siena e branco.






Com a base já seca, começo a pintura do pano. O fundo é feito com ocre e branco e o primeiro sombreamento com terra de siena queimada e natural. Nessa etapa começo a usar a tinta a óleo, que pode ser aplicado sobre o acrílico (nunca o acrílico sobre o óleo).






O fundo também ja está finalizado com óleo, nas cores branco, ocre, terra de siena queimada e laranja cádmio. Essas mesmas cores são aplicadas também no fundo do vidro, junto com uma mistura de branco com azul cobalto, terra de siena queimada e terra de sombra queimada. O efeito de transparência já começa a aparecer.









Começo a pintar as flores com misturas de branco, violeta cobalto, azul cobalto e terra de siena queimada. A parte verde da flor foi feita anteriormente com verde esmeralda, verde inglês, ocre, branco e terra de sombra queimada (sempre misturo essa cor nas partes mais escuras).





O efeito de transparência das gotas d'água das flores se consegue pintando a sombra das mesmas de forma bem sutil, utilizando as mesmas cores da flor. Em seguida aplica-se um brilho dentro de cada gota acrescentando branco à mesma mistura.




As sementes e os galhos são pintados com misturas de verde esmeralda, verde inglês, ocre, terra de siena queimada, ocre e terra de sombra queimada (sempre uso esta última para escurecer as outras).




O efeito de transparência do vidro se consegue basicamente da mesma forma que as gotas d'água. Observe que as cores de todos os detalhes da pintura estão refletidas nele.




Concluído. Essa foto reproduz de forma mais fiel as cores originais utilizadas.




Detalhe...

Por: Maurício Costa
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